Eugène - Emmanuele Viollet - le - Duc

He tenido que hacer un trabajo de investigación sobre este arquitecto y restaurador francés, que no pasó inavertido en su época, tanto porque fue muy criticado como muy admirado. Hubo gente que le consideró el primer arquitecto moderno y otros que le criticaban por su falta de rigor histórico a la hora de recuperar los edificios, le acusaban de inventarse lo que hacía. Realmente, no se lo inventaba completamente, usaba la analogía formal, un método para "rellenar" las zonas que faltaban usando la lógica y la coherencia. Por tanto, simplemente repetía lo que había visto y, si en alguna parte no tenía en qué fijarse para completarlo con este método, como era un gran conocedor del arte de la Edad Media, lo copiaba de otros conjuntos arquitectónicos. Si, hoy en día, hubiese realizado estas intervenciones en los edificios lo hubieran matado, literalmente, porque como defendía la primacía del arte gótico por encima de todos, llegó a eliminar elementos de épocas posteriores para conseguir la "unidad de estilo", que para él era tan importante para llegar al, que consideraba, estado primitivo del edificio. Fue muy importante en el Art Nouveau porque defendía el uso del hierro pero con las formas estructurales de la Edad Media, es decir, una reinterpretación decimonónica del estilo gótico. Así, más tarde, personajes como Víctor Horta o Antonio Gaudí trabajaron tanto con el hierro, por la influencia de Viollet - le - Duc.

Se esté de acuerdo o no con él, es innegable que es un personaje determinante en la historia reciente de la arquitectura y la restauración.

Caravaggio y los problemas de decoro

Si por algo se caracterizó este gran pintor barroco fue por ser políticamente incorrecto. Escandalizó a más de uno con sus cuadros en los que, por áquel entonces, representaba imágenes religiosas con elementos que no se hubiesen atrevido a pintar.
Hay varios casos como el de la Madona de los Palafreneros estaba en una iglesia y la tuvieron que quitar porque a los curas les debía de "sentar mal" ver el gran escote que lleva la Virgen. El caso que, personalmente, me parece más curioso es el de San Mateo y el ángel, tuvo que hacer dos versiones porque no les parecía correcta la primera de ellas. La primera versión es un cuadro que hoy en día lo vemos, por cierto fue destruído en la Primera Guerra Mundial y solo podemos conocerlo en foto, y no nos llamaría prácticamente nada la atención, en cuanto a incorrección. Bueno, en el siglo XVII les parecieron mal varias cosas: la rudeza con la que está representado, las piernas destapadas, el pie sucio que lo tenemos en primer plano, la calva tan visible y, además, aparece como si le costase escribir, el ángel le tiene que indicar lo que tiene que poner, tampoco gustó que ambos estuviesen a la misma altura. Lo que Caravaggio quería hacer ver es que cualquiera puede ser un elegido por Dios por eso representa a un hombre rudo, que parece incluso analfabeto. Tuvo que hacer un segundo cuadro porque no fue aceptado por la sociedad. El definitivo forma parte del ciclo que hoy se encuentra en la Capilla Contarelli en Roma. Aquí aparece ya el ángel en el cielo y San Mateo en la Tierra, ya no le tiene que ayudar a escribir, pero la postura que tiene sigue siendo informal.

Es muy importante conocer el contexto en el que se realizaron los cuadros para entenderlos. Ejemplos que, sin ponernos en su lugar, podemos apreciar con los ojos actuales algunos detalles pero otros se nos escapan.

Albarracín

Hace un par de semanas, estuve en este pueblo de Teruel por segunda vez, de la primera prácticamente no me acuerdo porque era muy pequeña. Fui de visita con la universidad, por una asignatura que se llama Conservación y Restauración del Patrimonio Artístico, porque allí está trabajando la Fundación Santa María de Albarracín que ha hecho, y sigue haciendo, un trabajo realmente impresionante. Se hizo muy agradable la visita, de guía tuvimos al director de la Fundación, muy majete, lo cual se agradece si tienes que estar ocho horas escuchando a alguien hablando sobre el mismo tema. Han restaurado absolutamente todo el pueblo, tanto casas en ruinas, como las iglesias o el Palacio Episcopal. Están haciendo un museo, en la torre del cementerio hay una sala de exposiciones, se puede visitar el castillo de la época de los musulmanes, en una de las iglesias dan conciertos de música clásica, tienen una residencia para pintores, hacen seminarios de diferentes temas (desde medicina hasta historia),... Vamos, tienen una agenda que, prácticamente, ni Zaragoza. La verdad que yo no tenía ninguna gana de ir el día anterior, pero fui y me quedé con las ganas de pasar allí el fin de semana. Así que, estaré pendiente de si hay algún seminario interesante, no lo dudaré y me iré a estar unos días.

Por si estáis interesados en la fundación y su programa os dejo la página web:


http://www.fundacionsantamariadealbarracin.com/

James Ensor

El otro día, en clase de Arte del s. XX, nos hablaron de este pintor belga y de su cuadro más conocido, "Entrada de Cristo en Bruselas". Me llamó mucho la atención que representase este tema. Todo el mundo disfrazado por el día de Carnaval y Cristo montado en un burro, como cuando entró en Jerusalén, en el centro de la escena, pasando desapercibido. Refleja como, a la sociedad de entonces, ya le daba todo bastante igual y podría ser perfectamente una persona disfrazada de él.  Comienza la pérdida de valores que, por el año 1889, solo acaba de empezar. Ensor quiso reflejar la soledad, indiferencia y estupidez de la sociedad moderna, no estaban muy conformes, los pintores de la época, con cómo estaba evolucianando el mundo. Otros pintores, como Munch en su cuadro "Paseo por la calle Karl - Johan", también plasman la diferencia de la sociedad en las ciudades, que es mucho más independiente y solitaria.  Cristo está rodeado por caras inexpresivas, el pintor se había críado en la tienda de máscaras que tenía su madre y representaba aquello que le había rodeado de niño. Arriba del todo, hay un cartel que dice "Vive la social", haciendo referencia a lo que se supone que todo el mundo quería en aquella época, aunque no estaba muy de acuerdo.

Lo que yo resaltaría de este cuadro es cómo representa la soledad y el egoísmo de una ciudad. Cosa que, si algún día os pasa algo y necesitáis la ayuda anónima de la gente en la calle, podréis comprobar. Así que no es cosa de la actualidad, sino que viene desde hace mucho tiempo.

Pepe Cerdá

El viernes pasado tenía lugar la inauguración de una nueva exposición de este gran pintor aragonés en La Lonja de Zaragoza. Esa misma mañana, para mi sorpresa, tuve la gran oportunidad de charlar con él, lo que no me extrañó fue encontrarlo en un bar. Como siempre, un placer escuchar sus anécdotas plagadas de su socarrón humor, rodeado por sus amigos y la siempre típica frase "la última y me voy a casa" que se convirtieron en varias.

Por la tarde, La Lonja, lugar emblemático de esta ciudad, estaba llena de sus amigos y conocidos demostrándole su apoyo ante esta nueva y magnífica exposición. Cuadros de gran dimensión, en los que mezcla óleo y acrílico. En la primera parte, podemos disfrutar de la maestría que tiene representando las luces, el agua y el paisaje. Personalmente, me impresionó el gran dominio que tiene al pintar las luces de la ciudad por la noche y, sobre todo, ese cuadro en el que en mitad de la noche aparece un hombre y se ve la diminuta luz del cigarrillo que está fumando. En la segunda parte, podemos ver una serie de retratos de personajes de su entorno. Lo que me transmitieron los cuadros fue una sensación relajada y melancólica, quizá porque hay muchos que representan la noche.

Antes, tenía la duda de qué pretendía Pepe Cerdá con su pintura y dentro de qué estilo podría estar, al leer el catálogo de la exposición, ha quedado resuelta:

"No soy un pintor figurativo, no soy un pintor abstracto, no soy un pintor clásico, no soy un pintor moderno. Me importan un rábano la posmodernidad, la ultramodernidad y la retroprogresión. Niego la muerte de la pintura. Me hago preguntas y las intento responder sobre una tela y tensadas en un bastidor. Las cosas artísticas, por otra parte, deben tener algo de sustancia, algo de mágico, de casual o de inexplicable, algo de evidentemente cierto pero imposible de contar de otro modo. Si además, como es el caso, se trata de pintura, ésta tendrá que emanar de lo que le es propio: algo que se llama plasticidad, fuerza, misterio, etcétera que, como todas las cosas que se llaman de muchas maneras, nadie sabe muy bien de qué se trata, pero que se evidencia con rabia al contemplar un buen cuadro en directo. Aspirar a que esto ocurra, tan sólo una vez, es motivo suficiente para dedicar toda una vida a la pintura. De estas cosas no se habla, ni falta que hace, aunque yo por mi carácter todo me lo tenga que explicar."

 Desde luego, una exposición que, si tenéis la oportunidad, deberíais ver y un personaje que merece la pena conocer.